Le Centre Pompidou consacre une monographie à Suzanne Valadon (1865-1938), artiste emblématique et audacieuse, l'une des plus importantes de sa génération. À la marge des courants dominants de son époque - le cubisme et l'art abstrait sont en germe alors qu'elle défend avec ardeur la nécessité de peindre le réel - elle place le nu, féminin comme masculin, au centre de son oeuvre, représentant les corps sans artifice ni voyeurisme

Exposée dans le monde entier et révérée comme une authentique pionnière, encore méconnue en France : voici Suzanne Valadon, artiste peintre célébrée de son vivant et que l'histoire de l'art a trop longtemps éclipsée.
Rien ne prédisposait la Valadon à une vie d'artiste. Née de père inconnu, la petite Marie-Clémentine trace ses premiers dessins au charbon sur les trottoirs de Montmartre, dans les ruines fumantes de la Commune. Jeune fille, elle se fait appeler Maria et devient modèle pour les grands noms de son temps - Toulouse-Lautrec et Renoir la peignent, Erik Satie en tombe fou amoureux. Mais Maria n'a pas vocation à demeurer une muse : durant ses heures de pose, elle observe ceux qui la peignent et perfectionne sa technique sur son temps libre. Pour elle, peindre n'est pas qu'une affaire de passion, c'est une question de survie quand, dans le Paris de la Belle Époque, les femmes de son rang meurent à la tâche...

Dans ce roman graphique, et au travers d'un documentaire pour Arte, Flore Mongin et Coline Naujalis retracent l'itinéraire hors norme d'une artiste d'une incroyable modernité, dont la vie apparaît comme une succession de frasques romanesques, de rencontres et de coups du sort. S'y révèle une Suzanne Valadon affranchie des conventions ou de la peur du scandale, ne vivant que par et pour son art, déterminée à ce que sa condition féminine et même maternelle n'entrave pas sa vocation de créatrice absolue. Lire la suite Fermer

« L'artiste doit voir toutes choses comme s'il les voyait pour la première fois. Toute sa vie il doit voir comme il l'a fait quand il était enfant. » Durant sa carrière de peintre, qui a duré près de soixante ans, Henri Matisse (1869-1954) est resté fidèle à ce principe : conserver la fraîcheur du regard, observer chaque chose comme une découverte, laissant ainsi toute sa place à l'émotion. Toutefois, ajoutait l'artiste, « regarder quelque chose comme si nous ne l'avions jamais vu auparavant demande beaucoup de courage » : car si l'instinct lui paraît indispensable, il ne peut s'exprimer qu'à travers un travail permanent, une réflexion constante. C'est donc en conjuguant spontanéité et méthode que Matisse a conduit toute sa création, autour de ce qui a été sa préoccupation essentielle : la couleur. Destinée à bouleverser le regard moderne, son oeuvre s'est exprimée au travers d'une variété de techniques qu'il a toujours cherché à approfondir, à renouveler : peinture, dessin, sculpture, livres illustrés, et jusqu'à cette invention singulière, les gouaches découpées réalisées à la fin de sa vie.
Ce livre rend compte de cette incroyable invention plastique, à travers une cinquantaine d'oeuvres emblématiques, et retrace ainsi dans leur chronologie les incessantes recherches du peintre en ce domaine, depuis la fameuse période « fauve », magnifique explosion de couleurs pures entamée à Collioure, en passant par les somptueuses toiles réalisées sous le soleil du Midi, jusqu'aux ultimes « papiers découpés » qui ont permis au vieil homme de dessiner directement au ciseau dans la couleur. Si certaines influences ont été déterminantes, celle de Cézanne pour commencer, mais aussi plus tard celles de l'Orient, dont il a sublimé les arabesques chatoyantes dans ses Odalisques, ce sont ces nombreux voyages qui ont au fil du temps tissé un véritable métissage de sources d'inspiration. « Vous allez simplifier la peinture », lui avait prédit son maître Gustave Moreau : l'oeuvre de Matisse montre à l'évidence comment son génie s'est exprimé avec une immense liberté, échappant à tout carcan pour exprimer une profonde joie de vivre.

La collection L'ART+GRAND, présentée dans une reliure luxueuse, propose, à travers un texte didactique, de découvrir les plus grands artistes de l'histoire de l'art. Outre une soixantaine de toiles parmi les plus célèbres, l'ouvrage reproduit six tableaux exceptionnels sous forme de DÉPLIANTS grand format qui permettent d'observer ces chefs-d'oeuvre dans les moindres détails. L'ART+GRAND offre ainsi une immersion inédite dans la matière et la touche picturale. Lire la suite Fermer

Les Cent vues de Naniwa est une série d'estampes réalisée vers 1863-1865 par trois artistes de l'école Utagawa d'Osaka - Kunikazu, Yoshitaki et Yoshiyuki -, qui constitue le pendant des célèbres Cent vues d'Edo de Hiroshige parues quelques années plus tôt. Ces gravures restituent à merveille ce que fut, il y a un siècle et demi, la ville prospère et animée d'Osaka, qualifiée de « Venise du Japon » par les premiers voyageurs étrangers. On y découvre ses temples, ses quartiers marchands, ses restaurants, ses théâtres, ses lieux de plaisirs, ses fêtes et ses sites de pèlerinage et d'excursion. Cet ouvrage reproduit l'intégralité de cette série, jamais éditée en France, à partir d'un exemplaire d'une qualité d'impression et de conservation exceptionnels, qui provient de la colle Lire la suite Fermer

Le Carnet Hazan Pleine toile Matisse La Perruche et la Sirène est un luxueux carnet dont le motif de la couverture en toile se prolonge dans un jaspage harmonieux. Il offre 128 pages non lignées pour coucher sur le papier toutes vos inspirations.

Le Carnet Hazan Pleine toile Matisse La Desserte, harmonie rouge est un luxueux carnet dont le motif de la couverture en toile se prolonge dans un jaspage harmonieux. Il offre 128 pages non lignées pour coucher sur le papier toutes vos inspirations.

Cet ouvrage culte pour tous les amoureux de la couleur revient dans une édition d'exception, préfacée par l'artiste Stuart Semple et accompagnée par un poster collector.

Destiné à celles et ceux qui utilisent la couleur dans leurs créations de design, d'art et de communication, l'ouvrage pose les grands principes de l'usage des couleurs et rappelle les notions fondamentales à leur sujet.

Des palettes colorimétriques se succèdent au fil des pages, classées par ambiance et humeur transmises. Des notions de psychologie de la couleur et de prévisions de tendances complètent cette promenade au coeur de l'univers foisonnant de la couleur et de ses usages.

Enfin, la composition quadrichromique des différentes teintes présentées est détaillée, pour une utilisation pratique et concrète.

Avec l'enthousiasme, l'audace et l'érudition qui ont fait le succès d'On n'y voit rien, Daniel Arasse invite son lecteur à une traversée de l'histoire de la peinture sur six siècles, depuis l'invention de la perspective jusqu'à la disparition de la figure.
Évoquant de grandes problématiques - la perspective, l'Annonciation, le statut du détail, les heurs et malheurs de l'anachronisme, la restauration et les conditions de visibilité et d'exposition - mais aussi des peintres ou des tableaux précis, il fait revivre avec perspicacité et ferveur plusieurs moments clés, comme Léonard de Vinci, Michel-Ange, le maniérisme, ou encore Vermeer, Ingres, Manet. Son analyse se nourrit constamment d'exemples concrets - La Madone Sixtine de Raphaël, La Joconde, la Chambre des époux, de Mantegna, Le Verrou de Fragonard... - avant de conclure sur quelques aspects de l'art contemporain.
Le lecteur retrouvera le goût de mieux voir de grands épisodes de la peinture, grâce à une approche sensible et ouverte. Toujours il sera surpris, réveillé, entraîné dans un véritable enchantement d'intelligence et d'humour.
Ce livre est la transcription de vingt-cinq émissions proposées par l'auteur sur France Culture pendant l'été 2003.
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De 1970 à 1987, Gilles Deleuze a donné un cours hebdomadaire à l'université expérimentale de Vincennes, puis de Saint-Denis à partir de 1980. Les huit séances de 1981 retranscrites et annotées dans le présent volume sont entièrement consacrées à la question de la peinture.

Quel rapport la peinture entretient-elle avec la catastrophe, avec le chaos ? Comment conjurer la grisaille et aborder la couleur ? Qu'est-ce qu'une ligne sans contour ? Qu'est-ce qu'un plan, un espace optique pur, un régime de couleur ?...

Cézanne, Van Gogh, Michel-Ange, Turner, Klee, Pollock, Mondrian, Bacon, Delacroix, Gauguin ou le Caravage sont pour Deleuze l'occasion de convoquer des concepts philosophiques importants : diagramme, code, digital et analogique, modulation. Avec ses étudiants, il renouvelle ces concepts qui bouleversent notre compréhension de l'activité créatrice des peintres. Concrète et joyeuse, la pensée de Deleuze est ici saisie au plus près de son mouvement propre. Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Apparus à une époque où seule la faible lueur des lanternes éclairait les rues la nuit, les monstres yokai japonais sont aussi variés et fantasques que l'imagination humaine : crapauds, chauve-souris et singes géants qui surgissent des profondeurs de la Terre, objets centenaires qui prennent vie, chats à neuf queues aux pouvoirs magiques, renardes et blaireaux envoûtant les humains, kappa, tengu et autres êtres hybrides et facétieux toujours prêts à jouer des tours.... Ils sont partout où la peur nous saisit - forêt, puits, pièce sombre d'une maison, remise d'un temple, cimetière, tanière - et à chacune de ces créatures est lié un conte ou un mythe. C'est grâce à la large diffusion des estampes que la représentation des yokai s'est fixée et a été diffusée au xixe siècle et qu'ils sont devenus si importants dans la culture japonaise, au Japon et à l'étranger. Les monstres yokai, effrayants et fascinants, sont en effet bien connus des amateurs de mangas et de films d'horreur. Philippe Charlier, médecin légiste, archéologue et anthropologue, en présente ici une sélection parmi les plus impressionnants. Il les observe avec un regard de spécialiste de l'anthropologie funéraire, des fantômes, des zombis et des vampires, se faisant conteur pour partager leurs histoires. On découvre les oeuvres des maîtres de l'estampe horrifique, notamment Yoshitoshi, Kuniyoshi, Kunisada et Sekien, le magnifique rouleau peint bakemono no e (inventaire de créatures surnaturelles) et les célèbres processions nocturnes de yokai, dans un beau-livre relié à la japonaise, sous une couverture en soie, dont la forme met en valeur l'atmosphère sombre et fantastique des images. Lire la suite Fermer

Le destin de 25 chefs-d'oeuvre de la peinture révélé par l'imagerie scientifique
Repentirs, repeints, réemplois : sous la peinture se cachent des esquisses, des tracés, des personnages, des morceaux de paysages, et parfois des compositions entières. À l'oeil nu, à la lumière des infrarouges, des ultraviolets, des rayons X... les intentions, les gestes de l'artiste peuvent refaire surface, ainsi que les interventions d'un restaurateur. Un homme dissimulé sous L'Odalisque de Boucher, un changement de format chez Rembrandt, une bretelle baissée puis remonté chez Sargent, un angelot coquin effacé chez Watteau, un cupidon recouvert dans un Vermeer. Pourquoi ces changements ? La journaliste Sarah Belmont a mené l'enquête, assistée d'experts, et nous explique le processus créatif des peintres de manière ludique et accessible. Car derrière la grande Histoire se cachent de petites histoires de sentiments, d'argent, de style. Lire la suite Fermer

Nouvelle édition mise à jour du premier artbook de Benjamin Lacombe, artiste phare de la nouvelle illustration française.
Regroupant une grande variété de travaux résumant ses vingt premières années de carrière, ce livre nous permet de rentrer dans l'univers créatif de cet infatigable créateur. Reprenant certaines de ses illustrations les plus célèbres, l'ouvrage propose aussi de nombreux dessins totalement inédits pour le grand public provenant de ses recherches, croquis, travaux pour des films d'animation ou projets inaboutis. S'étalant sur un très grand registre graphique allant de la peinture à l'affiche en passant par le volume, la scénographie de lieux et d'expositions ou la création de collections de vêtements ou d'objets, ce catalogue d'une grande richesse permet de mieux appréhender cet artiste unique. Lire la suite Fermer

Une anthologie du dessin de presse, du XIXe siècle à 2015.

Si l'irrévérence n'a pas d'âge et que les premières caricatures politiques existent sous forme de feuilles libres dès la fin du XVIIIe siècle, la liberté de la presse naît véritablement de la révolution de 1830. Le « dessin de presse » ou plus exactement « le dessin d'actualité » connaît alors une première et brève période faste. Cet exercice nouveau visant à utiliser le dessin comique pour critiquer la société et ses dirigeants devient un rendez-vous régulier des lecteurs de presse écrite. Bientôt, des journaux spécialement dédiés émergent. D'abord satire dessinée puis dessin politique, cette forme d'expression artistique devient incontournable, ses auteurs formant les ambassadeurs d'une pensée critique, provocatrice et libre. Ceci malgré un retour de la censure par intermittences, au gré des changements politiques.
Ce beau livre retrace l'histoire du dessin d'actualité, de la naissance des premières revues illustrées du début du XIXe siècle à la tragédie de Charlie Hebdo du 7 janvier 2015. Construit chronologiquement en chapitres centrés sur des périodes cohérentes, l'ouvrage dresse à chaque fois un panorama des supports emblématiques et des artistes qui les ont animés, tout en tenant compte du contexte historique et des grands enjeux politiques et sociaux de l'époque. Rythmé par les noms d'Honoré Daumier, Gus Bofa, Sennep, Effel, Siné, Reiser, Wolinski, Charb, Cabu, ou Mix & Remix, ce livre se veut autant un hommage au dessin politique qu'une exploration complète et savante d'une certaine histoire de la presse. Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Omniprésent dans nos vies, même à l'ère numérique, le papier est riche d'une his­toire et d'une tradition millénaires. Des spécialistes du domaine, en France et au Japon, compilent dans les pages de cet ouvrage l'ensemble de leurs connaissances techniques et pratiques, au sujet de ce matériau emblématique. Sous la forme d'un dictionnaire, le livre dévoile les secrets de fabrication et d'usage du papier à travers le temps et l'espace.

Figure majeure de l'Art nouveau et créateur du mouvement de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est aujourd'hui mondialement célèbre pour son tableau Le Baiser. Cette étreinte éternelle, emblématique de son cycle d'or, symbolise une oeuvre puissamment décorative et novatrice.
Au coeur de la Vienne fin de siècle, capitale d'un empire en déclin, Klimt participe du bouillonnement intellectuel, scientifique et culturel de l'époque, porté par une bourgeoisie qui soutient la création picturale et offre un cadre propice à de nouvelles formes d'expression artistique.
Au travers de ses grandes fresques monumentales, telles que les frises Beethoven et Stoclet, ses portraits féminins sensuels et énigmatiques, marqués par les noms d'Emilie Floge et d'Adèle Bloch Bauer, ou encore ses envoûtantes allégories mythologiques, ses jardins luxuriants et ses paysages oniriques, Klimt ambitionne de réaliser une oeuvre d'art total, unissant peinture, architecture et musique. Il opère alors une véritable révolution stylistique autour de ses thèmes de prédilection que sont la beauté féminine, l'érotisme, la vie et la mort, dans un foisonnement de motifs végétaux et animaliers, de spirales et d'arabesques, de textures précieuses souvent rehaussés à la feuille d'or, dans un entrelacs de lignes courbes et ondoyantes.
Dans sa volonté de briser les conventions artistiques de son temps, Klimt, artiste engagé, a ouvert la voie à de nouvelles formes d'expression artistique, et a su défendre sa conception de l'art moderne qui seul peut sauver l'humanité et la conduire à la connaissance du bonheur.

La collection L'Art plus grand
Cette collection propose une découverte des plus grands artistes de l'histoire de l'art, présentée dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures d'un peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés d'une notice détaillée, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale.

Cet ouvrage consacré à Klimt propose les six dépliants suivants :
La frise Beethoven
Adèle Bloch Bauer
Serpent d'eau (I et II)
Le Baiser
Vierges
La frise Stoclet Lire la suite Fermer

Véritable célébration de la montagne, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie dans un format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe japonaise.
Les montagnes, qui couvrent près des trois quarts de la superficie du Japon, sont depuis toujours omniprésentes dans la vie des Japonais, présences tutélaires et source inépuisable d'inspiration pour les plus célèbres artistes, tels Hokusai, Hiroshige ou encore Hasui, qui en ont donné des représentations d'une beauté exceptionnelle.
Bien plus qu'un simple élément de paysage, la montagne offre une multitude de significations culturelles, spirituelles et esthétiques, devenant tout à tour un symbole de transcendance et de spiritualité, mais aussi un lieu de méditation, ou plus simplement un univers d'exploration et de découverte.
Des plus fascinantes vues du mont Fuji, véritable icône sacrée du Japon, aux cascades vertigineuses creusée dans les rochers, des sentiers escarpés serpentant au coeur des forêts de pin, le long des routes emblématiques du Tokaido et du Kisokaido, ou conduisant à des temples et des sanctuaires accrochés à flanc de falaise, chacune de ces estampes révèle, au fil des saisons, une montagne mystérieuse et changeante, se tapissant tour à tour de cerisiers en fleurs au printemps ou d'érables rougeoyants à l'automne, se couvrant d'un manteau de neige immaculé en hiver.
Surgissant au détour d'un chemin, s'imposant dans le lointain ou surplombant un lac ou une rivière, la montagne s'affirme comme un motif récurrent, les artistes se plaisant à en varier les points de vue et les reliefs au fil de la journée, dans un spectacle permanent qui attire depuis des siècles les amoureux de la nature, mais aussi de nombreux voyageurs tels que des pèlerins, des commerçants, des curistes : solitaires ou en petits groupes, ils cheminent dans ces paysages grandioses et spectaculaires, la montagne devenant le symbole d'un voyage initiatique et des liens profonds qui unissent les artistes japonais à la nature. Lire la suite Fermer

Le Carnet Hazan Pleine toile Klimt L'Hydre est un luxueux carnet dont le motif de la couverture en toile se prolonge dans un jaspage harmonieux. Il offre 128 pages non lignées pour coucher sur le papier toutes vos inspirations.

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Gabrielle Vincent a dessiné ses premières histoires sur des cartes postales. Elle s'est ensuite adonnée aux illustrations d'albums pour mener en parallèle une vie d'artiste peintre en toute liberté sous son vrai nom, Monique Martin. Elle commence à peindre à l'aquarelle les albums d'Ernest et Célestine en 1980, le succès est immédiat. Cet ouvrage invite à découvrir sa personnalité haute en couleurs, elle qui s'adonne passionnément au dessin et à ses fulgurances créatives, croquant tout ce qui défile devant elle dans sa vie bruxelloise, rythmée par une douce folie enfantine que ne la quittera jamais.

Le Carnet Hazan Pleine toile Klimt le Baiser est un luxueux carnet dont le motif de la couverture en toile se prolonge dans un jaspage harmonieux. Il offre 128 pages non lignées pour coucher sur le papier toutes vos inspirations.

LE LIVRE
À partir de la fin du XVIIIe siècle, alors que la société japonaise bénéficie d'un essor économique sans précédent, l'art et la manière de se vêtir connaissent un fort engouement. Signe d'appartenance sociale et de richesse, le vêtement devient un véritable phénomène de la mode. Largement diffusée, l'estampe ukiyo-e ("image du monde flottant"), qui s'attache à dépeindre les plaisirs du quotidien, se fait l'écho de ce nouveau goût pour l'apparence. Elle va jouer un rôle important comme outil de promotion des modèles vestimentaires mais également comme source d'inspiration pour les ateliers de conception.
Rivalisant d'élégance, voire d'extravagance, samouraïs, acteurs de kabuki, geisha et courtisanes prêtent leurs silhouettes à l'exhibition de somptueuses toilettes. Kimono, obi, furisode, haori ou kakimisho, soigneusement réhaussés d'une pléiade d'accessoires (chaussures, peignes, épingles à cheveux), montrent l'extrême sophistication des parures. Les planches reproduites dans ce livre illustrent les différentes techniques utilisées afin de magnifier ces vêtements éblouissants : shibori (tissu lié ou cousu qui était plongé dans un bain de tenture), kaki-e (peinture directe sur le tissu) ou encore katazome (dessin appliqué au pochoir).
Les artistes composent ainsi un répertoire de tenues aux couleurs chatoyantes, alliant l'harmonie des lignes à la délicatesse des motifs. Issues des riches collections du Victoria and Albert Museum, plus de 200 estampes des grands maîtres du genre (Utamaro, Kunisada, Kuniyoshi et Keisai Eisen ...) témoignent par leur flamboyance et leur raffinement de cette éblouissante culture de la mode à la fin de la période Édo. Lire la suite Fermer

Ce livre aborde Anselm Kiefer, dont on fêtera les quatre-vingts ans en 2024, à travers les sept concepts kabbalistiques, qui le hantent et qui constituent une clé de compréhension de son oeuvre. Démiurge, Anselm Kiefer fascine par les thématiques vertigineuses qu'il peint, bâtit, rêve, autant que par ses formats imposants. Disons-le, il fascine autant qu'il heurte et c'est bien le sens de l'art que de heurter, d'être en dissidence avec le politiquement correct.